Ian Hunter: ein absolut episches Interview

Dec 28, 2023

Er ist älter als der Rock'n'Roll selbst und mit einer All-Star-Besetzung auf seinem neuen Album bei Sun Records zurück. Hier spricht er über die Arbeit mit Jeff Beck und Taylor Hawkins, Punkrock, Alex Harvey, David Bowie sowie Sex und Drogen in den 70er Jahren

„Das Ganze war ein Zufall“, sagt Ian Hunter, „ein schöner Zufall.“

Im Jahr 2019 dachte sogar Ian Hunter, er sei am Ende. Sein letztes Soloalbum, Fingers Crossed, hatte er 2016 veröffentlicht. Im selben Jahr erschien Stranded In Reality, ein 30-CD-Boxset seines Solomaterials, das sich wie ein großartiger Abschluss einer erstaunlichen Karriere anfühlte. Die Tourneen mit Mott The Hoople durch Großbritannien und die USA im Jahr 2019 schienen den Kreis zu schließen.

Anlässlich seines 80. Geburtstags verbrachte er fünf Abende im The Winery in New York City und spielte seinen alten Katalog durch.

„Ich dachte, das wäre es“, gibt er zu. Aber Ian Hunter hat sich selbst unterschätzt. Def Leppard-Manager Mike Kobayashi kam zu den Shows von The Winery und bot an, ihn zu leiten. Da war er also: 80 Jahre alt, mit einem neuen Manager – einem Mann, der eine der größten Rockbands der Welt managt.

Dann, im Jahr 2020, kam Covid, sagt er: „Und ich und eine Million andere gingen nach unten in den Keller und fingen an, Songs zu schreiben. Weil es nichts anderes zu tun gab.“

Drei Jahre später hat Hunter einen neuen Plattenvertrag – mit Sun Records, nicht weniger, dem Label, das ihn überhaupt dazu inspiriert hat, sich mit Rock’n’Roll zu beschäftigen – und wir haben Defiance Part 1, zehn neue Songs mit einem Who's Who of Rock, darunter einige der letzten Aufnahmen von Jeff Beck und Taylor Hawkins sowie Beiträge von Slash, Billy Gibbons, Ringo Starr, Joe Elliott, Metallicas Robert Trujillo, Heartbreaker Mike Campbell, Todd Rungren, Wilcos Jeff Tweedy, Dean und Robert DeLeo von Stone Temple Pilots, Brad Whitford von Aerosmith, die Filmstar-Musiker Johnny Depp und Billy Bob Thornton und mehr.

Es ist eine spannende Platte, die Sie daran erinnert, warum Sie Rock'n'Roll überhaupt mögen. Klug, mutig, rührend, trotzig.

„Es ist ein intelligenter Schläger“, zuckt Hunter mit den Schultern. „Wir haben die richtigen Tracks an die richtigen Leute geschickt.“

Hier ist er also, mit 83 Jahren, mit dem Fuß auf dem Monitor und liefert mit Jungs von Guns N' Roses und Metallica eines der härtesten Rockalben ab, die er seit Jahren gemacht hat. „Warum nicht? Deshalb heißt das Album Defiance. ‚Was macht er da, um ein Rock’n’Roll-Album zu machen?‘ Aber es kam von selbst. Es gab keinen Plan. Ich schrieb einfach weiter und das kam dabei heraus.

„Ich wache morgens einfach auf und habe eine Idee. Ich schreibe nicht fürs Geschäft. Wenn es kommt, kommt es. Und ich habe einfach Tränen in den Augen.“

Covid war also eine unerwartete Inspiration?

Nun, ich bin lebhaft. Und wenn es nichts anderes zu tun gibt, können Sie es auch tun. Außerdem war es so: Ich sollte das in meinem Alter nicht tun, das ist also ein weiterer Grund, es zu tun. Als wir mit der Rant Band auf Tour gingen, waren schon 10 Jahre Album-Tour vergangen und es fühlte sich an, als wäre es Zeit für eine Veränderung. Ich war mir nicht ganz sicher, was diese Änderung sein würde, aber wissen Sie, man setzt sich einfach hin und schreibt. Und dann hatte ich Mike, und da ist noch ein anderer Typ, [Fotograf] Ross Halfin – kennen Sie Ross Halfin?

Ich kenne Ross. Sehr gut.

Ross ist schon lange ein Freund von mir. Ich bin einer der wenigen Menschen, mit denen er sich nicht gestritten hat.

Oh, gib ihm Zeit, Ian.

Ich sage dir, warum ich ihn mag: weil er dir sagt, was du tun musst, um ein gutes Foto zu machen. Darin bin ich nicht gut. Er sagt: „Kinn hoch, Kinn runter, beweg dich hierhin, beweg dich dorthin.“ Es ist großartig, das zu tun, denn dann muss man nicht darüber nachdenken. Aber zwischen ihm und Mike Kobayashi sagten sie: „Wie wäre es, wenn jemand anderes deine Songs singen würde?“ Und ich schickte ihnen ein paar und dann hieß es: „Das gefällt Slash. Das wird Billy Gibbons machen.“

Und so fing es an. Ich schrieb weiter und sie beteiligten immer wieder Leute daran. Und Andy York, der mit mir Co-Produzent war, wir haben auch Leute vorgeschlagen. Ich habe Ringo vorgeschlagen, weil [die erste Single] „Bed Of Roses“ sein Groove ist. Es ist ein Kopfnicken. Er sagte: „Wenn es mir gefällt, mache ich es, wenn nicht, dann nicht.“ Zum Glück hat es ihm gefallen. Es war alles spontan. Die ganze Sache war ein Zufall – ein schöner Zufall.

Aber langsam aber sicher waren viele Leute interessiert oder involviert oder, wissen Sie, Ross hat sie dazu gezwungen [kichert]. Und dann musste man manchmal warten, weil die Leute auf Tour waren. Ich hatte keine Ahnung, dass diese Leute überhaupt wussten, wer ich war.

Ross ist wirklich gut darin, Menschen auf diese Weise zusammenzubringen. Im Jahr 2016 veranstalteten wir die Classic Rock Awards in Tokio und Ross stellte die Hausband zusammen – Joe Perry, Johnny Depp, Dean und Rob DeLeo und so weiter.

Ich habe ihn bei den Classic Rock Awards getroffen. Ich kannte den Kerl nicht, aber mir gefiel die Art, wie er dich behandelte und wie er dir sagte, was du tun sollst.

Ich kenne Johnny Depp schon eine Weile und er war mit Jeff im Studio und sagte: „Wir machen ein paar.“ Wir haben ihnen ein paar Lieder geschickt. Einer ist auf dem ersten Album, einer auf dem zweiten. Johnny bat mich, einen Vampires-Auftritt zu machen, also kam ich nach New York und traf dort Robert DeLeo. Und er war ein netter Kerl. Also rief ich ihn an und wir gingen hin und her. Sein Bruder Dean war interessiert und Dean rief an und sagte: „Unser Schlagzeuger würde das auch gerne machen.“ So entwickelten sich die Dinge.

Kannten Sie Jeff Beck schon vorher?

Ich war eines Abends mit Jeff unterwegs, weil Ross wieder einmal sagte: „Warum kommst du nicht zum Abendessen runter?“ Und es stellte sich heraus, dass es Jeff und Johnny Depp waren. Und wir hatten einen tollen Abend und gingen einen Indianer essen.

Du warst also in all den Jahren Teil der Rockszene der 60er und 70er Jahre und hast Jeff Beck nie getroffen?

Ich habe ihn einmal in New York getroffen. Aber ich kannte den Kerl nicht. Die Sache mit Jeff ist: Es muss absolut stimmen. Selbst wenn er es getan hat, muss er es also unterschreiben. Wir machten uns eine Weile Sorgen, weil er sich nicht abgemeldet hatte. Und das ist eine andere Sache. Es geht nicht nur darum, diese Leute dazu zu bringen – das ist der einfache Teil –, sondern auch die Manager und Anwälte im Nachhinein. Doch kurz vor Weihnachten hat er sich schließlich abgemeldet. Und dann wurde er über Weihnachten krank. Das war erschreckend.

Es war so ein Schock.

Es war ein Schock. Das Gleiche gilt für Taylor. Ich meine, ich kannte diese Leute nicht wirklich. Ich hatte Taylor kurz in einem Hotel in LA getroffen. Er sagte: „Du warst in dieser Band, was?“ Und ich sagte: „Und du bist in dieser Band, whaddyacallit.“ Er sagte: „Wenn die Foos jemals nach New York kommen, werden Sie dann aufstehen?“ Und ich sagte: „Ja.“ Ich habe nie getan. Es war einfach eines dieser Dinge, ein Typ, den man unterwegs trifft. Dann sagt mein Manager Mike: „Oh, ich hatte ihn ungefähr anderthalb Stunden am Telefon – er weiß alles.“ Und da begann ich mit Taylor zu reden.

Er wollte alles machen. Wir schickten ihm ein paar Tracks und er rief mich an und sagte: „Schau, ich möchte das alles machen.“ Aber Covid ließ nach und die Foos begannen wieder auszugehen, also hat er am Ende sieben Tracks gemacht. Drei auf dem ersten Album und vier auf dem zweiten. Er wollte sie alle machen. Toller Typ.

Er schien ein echter Musikfan zu sein.

Er redete von Standing In My Light aus Schizophrenic [You're Never Alone With A Schizophrenic, 1979, Hunters viertes Soloalbum]. Deshalb sage ich ein bisschen wie Joe Elliott, weil Joe enzyklopädisch ist. Taylor war genauso. So ein Obermaterial, mit dem man reden kann. Man könnte stundenlang mit ihm reden. Voller Leben. Er wirkte einfach wie ein Typ, der voller Enthusiasmus war und 24 Stunden am Tag einsatzbereit war. Es war ein echter Schock für mich.

Und was hat er zu den Liedern beigetragen?

Er ist ein großartiger Schlagzeuger. Er ist einer der Besten der Welt. Ich habe ihm ein Lied geschickt, eine Ballade namens Angel. Er sollte nur darauf trommeln. Es kam mit Harmonien zurück, er hatte am Ende ein Lead-Solo hinzugefügt und Duff McKagan von Guns N' Roses hatte den Bass übernommen. Und die Harmonien, die er geschaffen hat! Andy und ich sagten: „Nun, es ist geschafft.“ Ein unglaublicher Typ.

Was ist mit Robert Trujillo von Metallica?

Robert hat einen Film über Jaco Pastorius gedreht [berühmt als legendärer Bassist von Joni Mitchell und Weather Report, einige von Jacos ersten aufgenommenen Werken waren mit Ian Hunter], und ich habe ein Interview mit ihm geführt. Dabei sagte er: „Wenn jemals etwas dazwischenkommt, bin ich gerne bereit, etwas zu tun.“ Also schickten wir ihm Defiance, auf dem Slash bereits lief, und er verwendete Jacos originalen Fretless-Bass, den gleichen, den Jaco auf All American Alien Boy [Hunters zweites Studioalbum von 1976] verwendet hatte. Das war also eine nette kleine Geschichte.

Die Kombination der beiden ist absolut großartig. Am Ende des ersten Solos, das Slash auf „Defiance“ macht, gibt es einen Punkt, an dem beide das Solo sozusagen gemeinsam beenden. Es vermischt sich, obwohl sie aus verschiedenen Studios kamen. Das ist ein paar Mal passiert. Es sind viele Zufälle passiert. Wir hatten großes Glück.

Das ist für Sie offensichtlich eine andere Arbeitsweise. Sie haben jahrelang mit Menschen im Studio gearbeitet und ihnen in die Augen geschaut.

Und zuletzt geht es weiter. Hier ging es zunächst weiter. Sie sollten nicht der letzte Gesang oder so etwas sein, aber dann rief Dean DeLeo an und sagte: „Ändern Sie den Gesang nicht!“ Weil sie zum Gesang spielten. Das haben wir bei Once Bitten Twice Shy gemacht [Hunters einziger britischer Solo-Top-20-Hit aus dem Jahr 1975] – als letztes kam das Schlagzeug dazu. Das ist kein schlechter Weg, denn dann versteht jeder den Text. Wenn man reinkommt, weiß normalerweise niemand, wie der Liedtext lautet, sie spielen einfach das Lied. Ich erinnere mich, wie [Mott-Bassist] Watts sagte: „Ich wusste nie, wovon du redest!“ Er lernte gerade, wie man es spielt.

Das Rant-Album [2001] schien einen neuen Ian Hunter einzuläuten, einen, der wurzeliger war: akustischer Rock'n'Roll, mit Klavier, einem Bett aus Akustikgitarren und dieser Art von Instrumentierung. Aber Defiance ist doch sehr elektrischer Gitarrenrock, nicht wahr?

Es ist ein Rock'n'Roll-Album. Es ist wahrscheinlich nicht mehr zeitgemäß, aber so ist es.

Es fühlt sich an, als hättest du ein Thema getroffen und vielleicht hat dir die Zusammenarbeit mit diesen Jungs das Selbstvertrauen gegeben, ein bisschen härter zu rocken. Denn trotz allem, was Sie sagen, gab es keinen Plan, es fühlt sich perfekt an: Es beginnt mit einem Song namens Defiance und endet mit This Is What I'm Here For – einem trotzigen Rocksong.

Sie haben Recht. Als diese Leute hereinkamen, wurde ich immer aufgeregter. Und dadurch ging es schneller.

Erzählen Sie mir von „This Is What I'm Here For“. Wofür bist du hier?

Um Musik zu machen, wissen Sie. Ich war 18, 19, als ich Jerry Lee Lewis hörte. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte ich keine Ahnung, warum ich hier war. Hatte keine Ahnung. Sie haben die Fabrik und das war's. Plötzlich hörte ich Whole Lotta Shakin'. „Ah, okay – dafür bin ich hier.“ Das einzige Problem war, dass ich nicht sehr gut war, also musste ich daran arbeiten.

Ich war Bassist. Wir haben viel in Deutschland und an ähnlichen Orten gearbeitet, wo man jeden Abend gespielt hat, und langsam aber sicher habe ich angefangen. Ich habe mit Freddie „Fingers“ Lee Bass gespielt und er meinte: „Du schreibst einen anständigen Song.“ Ich habe nicht ans Singen gedacht, sondern nur daran, ins Songwriting-Geschäft einzusteigen. Und ich habe mich darauf eingelassen – ich war als Songwriter beim [Verlag] Francis, Day & Hunter. Erinnern Sie sich an Dave Berry? Er hat einen von mir gemacht [Berry nahm 1967 einen Hunter-Song namens „And I Have Learned To Dream“ auf] und Nicol Williamson, der Schauspieler, er hat einen gemacht [Season's Song, 1970] Das ist vor Mott.

Ich war Mitarbeiterautor, kam gerade aus der Fabrik und wechselte dann zu Mott. Und als ich zu Mott kam, waren die beiden Autoren Mick Ralphs und Pete Watts. Pete war fauler als ich, und er war auch der gutaussehende in der Band, der immer mit Models unterwegs war. Also meinte er: „Du tust es.“ Keiner von uns wusste damals, dass das Geld im Verlagswesen lag. Pete meinte: „Ich bin beschäftigt, du machst es.“ So wurden Ralpher und ich zu den Autoren von Mott.

Richard Jobson von den Skids erzählte mir, dass er Mott, unterstützt von Alex Harvey, entweder in Edinburgh oder Glasgow besuchte. Er sagte, dass Alex Harvey ein Loch in der Bühne hinterlassen hat – ich schätze, er hat eine Gitarre zerschmettert oder so – und ihr müsst darum herumspielen.

[Lacht] Ich erinnere mich an Alex! Was ist das für ein Ort mit der großen Hochbühne in Glasgow?

Glasgow Apollo [damals Green's Playhouse genannt].

Der Apollo, ja. Früher bekam man eine Statue, wenn man sie verkaufte. Alex Harvey hat uns dort unterstützt – sein Bruder war da und seine Mutter, ich habe sie alle am Nachmittag getroffen – Alex war reizend. Dieser Ort: Das erste, was sie zeigten, war die Hintertür zur Umkleidekabine. Das war Ihr Fluchtweg. Denn wenn sie dich mochten, würden sie sagen: „Du bist verdammt großartig!“ und sie würden dich schlagen. Und wenn sie dich nicht mochten, warst du tot.

Der Typ kam herein, um uns die Auszeichnung für den Ausverkauf des Lokals zu überreichen, und er trägt einen Verband, aus dem Blut austritt. Die Vordertüren waren aus Glas und hatten sich spät in der Nacht geöffnet, sodass die Menge ihn als Rammbock benutzt hatte, um hineinzukommen. Er entschuldigte sich! Ich sage: „Du blutest!“ Aber das war die Norm.

Die Sensational Alex Harvey Band und Mott The Hoople waren zwei der wenigen älteren Bands, zu denen die Punk-Generation aufschaute und die sie akzeptierte.

Ich hätte nicht gedacht, dass es so sein würde. Ich dachte, es würde heißen: „Alte Leute raus!“ Eines Abends besuchten wir [die Punkband] Chelsea und Mick [Ronson] wurde verfolgt. Aber mir ging es gut. Überall, wo du hingegangen bist, hat jeder Mick verehrt, also war es seltsam, dass das passieren würde, weißt du? Er sagte: „Fick mich! Was zum Teufel war das?“ Ich dachte: Einmal – weil alle Mädchen Mick liebten – werde ich einmal angebetet und nicht du.

England damals: Alles hat sich völlig verändert und jeder hasste alles, was vorher war. Ich meine, ich hasste Flower Power und diese Blues-Typen, die beim Spielen auf ihre Füße schauten. Also habe ich es verstanden. Es geht einfach durch Veränderungen.

Es fühlt sich an, als hätte sich in den letzten Jahren nicht viel verändert.

Weil alle am Computer kleben. Ich weiß nicht. Ich meine, es geht mich nichts an. Meine Frau redet mit diesem Ball, der in der Küche ist. Es macht, was sie will.

Du redest nicht mit ihm?

Nein, ich bin nicht so weit fortgeschritten. Es ist keine analoge Sache. Ich bin zu alt, um mich darauf einzulassen. Es ist so schnell. Ich bin ein analoger Typ. Zum Glück ist Andy York das nicht. Er steht total auf so etwas, das hilft also.

Sowohl Sie als auch Alex Harvey waren Schotten oder hatten schottische Wurzeln. Glauben Sie, dass ein Teil Ihrer Einstellung darauf zurückzuführen ist?

Ich habe keine Ahnung. Meine Mutter war Engländerin, mein Vater Schotte. Meine Oma hatte eine Orgel und ein Klavier-Akkordeon. Sie war ein kleines Mädchen, meine Oma. Sie war ein paar Mal verheiratet, sie war im Rotary und so weiter. Sie spielte verschiedene Instrumente. Sie war die einzige in unserer Familie, die musikalisch begabt war. Alle anderen waren normal. Mein Vater war Polizist, mein Onkel war Busfahrer. Völlig normal, abgesehen von meiner Oma.

Auf dem Album „No Hard Feelings“ gibt es einen Song, der so klingt, als wäre es ein Song über einen Vater.

Ja, das ist eine absolut wahre Geschichte.

„Ich werde einen Mann aus dir machen/Wenn es das Letzte ist, was ich jemals tue.“ „Das sind die tatsächlichen Worte, die Ihr Vater verwenden würde?“

Wir kamen nie weiter. Er war Polizist und ich suchte nach Aufregung. Also, weißt du, ich oder meine Freunde machten aufregende Dinge, und das kam nicht so gut an. Ich weiß nicht, was er dachte. Ich war ein anderes Tier. Aber er war ein edler Typ. Er war 25 Jahre lang bei der Polizei, war im Krieg und landete beim MI5. Ein sehr heterosexueller, edler Typ. Und er hat sich mit mir abgefunden.

Meinem Bruder ging es gut. Er war ernster. Aber alles, was ich schien, war Aufregung. Und ich habe danach gesucht, wo auch immer es war. Und mit einigen dieser Orte war mein Vater nicht einverstanden. Es war nicht einfach. Aber irgendwann steckte ich bis zum Hals in der Scheiße und er gab mir 200 Pfund. Das war damals eine Menge Geld.

Aber diese 200 Pfund gaben mir sechs Monate und während dieser Zeit traf ich Bill Farley [unter anderem Toningenieur der ersten Stones- und Kinks-Alben] bei Regent Sounds in London, und dort fanden die Castings für Mott statt. Es war Bill, der mich anrief und „Komm runter“ sagte. Indirekt gab mir mein Vater also diesen kleinen Zeitrahmen, als ich Geld brauchte. Er kam durch, als es darauf ankam. Darum geht es also in dem Lied.

Ich habe dich vor ein paar Jahren in Milton Keynes spielen sehen. Danach kam ich zurück, um Hallo zu sagen, und Sie hatten eine Menge alter Freunde aus Northampton dabei. Es schien eine enge Gruppe alter Freunde zu sein.

Ja. Die Sache war Aufregung. Das konnte man damals nicht bekommen. Normale Leute waren nicht aufregend und ich war auf der Suche nach Aufregung. Ich arbeitete damals für British Timken [eine Fabrik, die Wälzlager für die Automobilindustrie herstellte] in Northampton. Das war langweilig. Alles war langweilig.

Und dann traf ich zufällig ein paar ungezogene Jungs. Ich wurde in die Gesellschaft der ungezogenen Jungen eingeführt und stand am Rande, aber es war aufregend. Der Humor war unglaublich – und es war kein dummer Humor, sondern wirklich klug. Sie könnten aus einer kleinen Eskapade eine Stunde voller Heiterkeit machen. Und alles, was ich tun musste, war Danny Boy oder so etwas zu spielen, und schon war ich dabei.

Das Einzige, was ungezogene Jungs lieben, ist Rock'n'Roll. Die Londoner Mafia liebte Rock'n'Roll. Es war wie: [abweisend] „Zieh deine Ausrüstung und verpiss dich“ und dann macht Freddie „Fingers“ Lee ein bisschen Jerry Lee und plötzlich waren wir das Leben und die Seele der Party. Kostenloses Getränk, alles kostenlos. Schurken lieben immer Rock'n'Roll-Musik.

Von was für einer Schurkerei reden wir?

Verschiedene Arten, wissen Sie. Ich meine, einige dieser Typen leben noch. Aber sie waren aufregend.

Beim High-Voltage-Festival 2010 wurde am Set mit Joe Elliott und den Down N' Outz zu früh der Stecker gezogen und es endete mit einer kleinen Schlägerei hinter der Bühne.Danach haben Sie und Jimmy Page darüber gelacht und gesagt: „Es ist wie in den Sechzigern!“

Ja. Man muss bedenken, dass es in den Sechzigern ziemlich langweilig war. Ich lebte in Shropshire, einem landwirtschaftlich geprägten Land. Es ist nicht viel los. Northampton war anders. Northampton war damals voller Leben.

Habe ich recht, wenn ich denke, dass Sie einen etwas furchteinflößenden Ruf hatten? Die Leute waren ziemlich eingeschüchtert von Ihnen, nicht wahr?

Ich weiß nicht. David [Bowie] war. David dachte, ich wäre in einer Motorradbande gewesen. Und er war nicht weit weg, wissen Sie. Es war keine Motorradgang, ich weiß nicht, wie man Motorrad fährt. Aber David fühlte sich zu Menschen hingezogen, die er für etwas unartig hielt.

Seit seinem Tod spricht man von Bowie, als sei er eine Art Heiliger. Aber du warst nie nah dran – warum nicht?

David war ein anderer Fischkessel. Du weißt, wie die Leute sind. Wenn man auf eine Party geht, kommt man mit manchen Leuten klar, mit anderen nicht. Nicht, weil Sie sie nicht mögen oder weil sie Sie nicht mögen, sondern nur, weil sie Buchhalter oder Anwälte sind – sie kommen aus einer anderen Gegend als Sie.

David war die ganze Zeit großartig, als ich ihn kannte, aber er war kein Typ, mit dem ich rumgehangen hätte. Nichts Persönliches. Wir haben uns im Studio gut verstanden. Ich bin ein paar Mal mit ihm ausgegangen, aber ich mache es mir nicht leicht, Freunde zu finden. Ich habe nie getan. Und wenn ich einen Partner finde, dann fürs Leben. Er war ein Freund wie viele Menschen, die man unterwegs trifft. David war äußerst ehrgeizig. Er war da gewesen.

Er war zielstrebig und ehrgeizig. Das war ich nicht – ich wollte nur Rock'n'Roll spielen, weil es mich begeisterte. Aber David sah noch viel mehr und tat es 24 Stunden am Tag. Er war einfach nicht der Typ, mit dem ich Zeit verbringen würde. Aber großzügig bis ins kleinste Detail, herrlich mit der Band. Ich meine, er hat uns Jungs gegeben. Ich habe nichts als Lob für David.

Aus der Sicht von Mick Ronson scheint er wirklich rücksichtslos zu sein – die Art und Weise, wie er die Spiders losgeworden ist – was er anscheinend im Laufe seiner Karriere getan hat. Er hat Leute abgeholt und dann...

Wenn du so groß sein willst, musst du rücksichtslos sein. Das wollte ich nie. Die zwei Wochen, in denen ich in der ersten Liga war, gingen mir auf die Nerven. Es hat mir nicht gefallen. Zunächst einmal muss man Jahre im Voraus planen und alles andere. Es hört auf, Musik zu werden, es hört auf, Rock'n'Roll zu werden, und beginnt, Geschäft zu werden. David wusste, dass er ein Monster sein wollte. Im richtigen Sinne. Wenn du es so sehr willst, bekommst du es. Wenn Sie das Talent haben, was er getan hat.

Du sprichst von der Zeit nach „Dudes“, als du den Durchbruch geschafft hast und „All The Way From Memphis“ und all diese klassischen Songs geschrieben hast. Was haben Sie gelernt – was hat sich verändert?

Es liegt an der Presse, nicht wahr? Es kommt immer auf die Presse an [kichert]. „Du lebst von David Bowie“, weißt du – „Du kannst nichts selbst machen.“ David wollte noch einen machen, aber er meinte: „Auf keinen Fall, denn dann werden wir nur zu Dienern für dich.“ Dann gerieten Mick [Ralphs] und ich natürlich in Panik und versuchten etwa neun Monate lang, einen Hit zu schreiben. Und es war schwierig, weil ich als Sängerin eingeschränkt bin. Mick würde diese gefühlvolleren Blues-Sachen schreiben, die schließlich Paul Rodgers [Bad Company] sang. Er war der richtige Typ, um Micks Lieder zu singen. Ich konnte sie nicht machen. Das ist genau dort der Anfang vom Ende. Meine Lieder begannen durchzukommen. Wir mussten das tun, um dem David-Tag zu entkommen.

Das war damals auch Trotz. Die Presse sagte, Sie lebten in Bowies Schatten und sagten: „Scheiße, wir zeigen es Ihnen.“

Bis heute heißt es „All The Young Dudes“. Es war nicht einmal der Verkaufsschlager. Die Sache mit Dudes war, dass es etwas darstellte. Das ist es, was es von allen anderen Songs unterschied. Es war etwas Besonderes. Das wussten wir sofort, als wir es hörten. Und es ist auch kein schlechter Song, mit dem man ihn markieren kann. Es gibt einige schreckliche Lieder, mit denen Leute getaggt wurden. Es ist ein gutes Lied.

Schauen Sie sich Jeff Beck und Hi Ho Silver Lining an. Er ging in den Tod und hasste dieses Lied.

Nun ja, zumindest ist es nicht Chirpy Chirpy Cheep Cheep. Die Leute sagen: „Warum machst du das [Jungs] jeden Abend?“ Nun, weil die Leute es jeden Abend hören wollen. Es ist ein gutes Lied. Gott weiß, warum er es uns gegeben hat. Das habe ich schon oft gesagt, aber wenn ich dieses Lied gehabt hätte, hätte ich es niemandem gegeben. Ich denke, wir haben ihn genau richtig erwischt, denn er hatte es aufgenommen und war damit nicht zufrieden. Er hatte es in C gemacht, und wir haben es in D gemacht. Unsere war etwas höher, wissen Sie, und dann war die Orgel von Phally [Verdan Allen] großartig. Ich denke, [Bowie] hat ein wenig aus der Art und Weise gelernt, wie er es mit seiner Band gemacht hat. Deshalb ist es so gut geworden.

Vielleicht wollte er sich damals als Produzent einen Namen machen. Einen solchen Hit zu schreiben und zu produzieren war keine Kleinigkeit.

Ja. Er war großartig im Studio. Er wollte den Rest des Albums machen, also taten wir es. Es ergab für mich keinen Sinn. Es ist wie: „Wenn du solche Songs schreiben kannst, geh raus und mach es. Du bist derjenige mit großen Ambitionen und so.“ Aber irgendwie hatten wir Zeit für Iggy, er hatte Zeit für Lou, wissen Sie. Ganz besonders.

[Wir reden ein bisschen über Mick Ralphs. Mick erlitt 2016 einen Schlaganfall. Hunter telefoniert immer noch mit ihm.]

Das erste Mal traf ich Mick Ralphs, als Sie ihn zu den Classic Rock Awards mitnahmen. Ich lernte ihn etwas später kennen. Er ist ein netter Kerl.

Ja, er ist ein Typ aus dem West Country. Toller Humor. Kurze kleine Witze. Er blieb für sich, aber es war toll, mit einer Band zusammen zu sein. Ein wunderschöner Spieler. Unterspielt. In gewisser Weise wie Mike Campbell – gespielt für den Song. 100 Prozent. Das Gleiche gilt für Ronson. Es gibt zwei Arten von Gitarristen: diejenigen, die für sich selbst spielen, und diejenigen, die für den Song spielen. Ich mag die Jungs, die für das Lied spielen, weil ich ein Songwriter bin. Zurück zu Bowie: Ich meine, das war Micks Intro bei All the Young Dudes. Das ist ein tolles Intro.

Reden wir über die Rockmusik der Siebziger. Es gibt jede Menge schlechtes Benehmen. Viele Drogen, viel Alkohol. Hatten Sie jemals das Gefühl, einen rutschigen Abhang hinunterzugehen?

Nein. Mott war nicht so. Das Seltsame war, dass alle dachten, sie wären es – vor allem hier [in den USA] – wegen des Namens. „Mott The Hoople – was zum Teufel ist das?“ Ich erinnere mich an San Francisco, als alle schrieen und uns fragten, was wir nahmen, weil sie dachten, wir würden irgendeine hochentwickelte britische Droge nehmen, mit der sie nichts zu tun hatten. Und wir tranken helles Bier.

Später war es anders, nehme ich an. Wissen Sie, Sie haben es sich angesehen, aber es war wie: „Vier Stunden hoch, vier Stunden runter, das ist nicht gut. Das ist kein gutes Preis-Leistungs-Verhältnis.“ Ich sehe es wirklich nicht und kann es auch keinem Kind empfehlen, das nach oben kommt. Schauen Sie sich den Opioid-Scheiß an, in dem wir uns befinden. Du musst die Kontrolle haben, du darfst dich nicht davon kontrollieren lassen. Ich würde es nicht empfehlen. Es hilft nicht. Man kann vielleicht ein Lied daraus machen, aber das ist alles. Und die Zellen vergessen nie. Ein Freund von mir sagt: Die Zellen vergessen nie. Es kommt immer wieder zurück, um dich zu verfolgen.

In „Diary Of A Rock And Roll Star“ werden Groupies erwähnt – die Damen des Flurs und so weiter. Man blickt heute auf die Siebzigerjahre zurück und fragt sich: „Wurden diese Frauen von Bands ausgebeutet?“

Ach, vergiss es. Wenn du mit Ronson in einer Band bist, ist einer vor der Tür, einer vor dem Aufzug, du kommst ins Erdgeschoss, da ist noch einer, im Frühstücksraum warten zwei auf ihn. Das waren arme, unterdrückte Menschen. Einige von ihnen reisten – ich meine, die Mädchen waren überall. Nicht wirklich für mich. Ich war nie der Typ, der wie ein Geschenk Gottes aussah. Aber ich habe mit einigen gespielt, die es waren, wissen Sie. Überall waren Damen. Es war eine andere Zeit, man kann sie nicht mit jetzt gleichsetzen.

Aber man konnte sehen, wie die Leute davon profitieren könnten – und zwar auf mehr als nur die offensichtliche Art und Weise.

Mick würde sich nie wirklich darum kümmern. Die Sache mit Mick war, dass er sie gerne zog. Er mochte es, der am besten aussehende Kerl im Raum zu sein. Alle Mädchen wollten ihn. In dem einen oder anderen Fall, als sie jemand anderen wollten, war er entsetzt. „Wovon redest du? Ich bin es, den du anschauen solltest!“ Weil er so daran gewöhnt war.

Mädchen würden reisen, Mädchen würden da sein, und einige von ihnen waren wirklich aufrichtig: Sie mochten Musik und alles andere. Ich erinnere mich an ein reisendes Mädchen, das ein Zweijähriges dabei hatte. Und [Mott-Gitarrist] Luther Grosvenor nahm sie mit in ein Zimmer und sagte: „Du steigst in den Bus und fährst zurück nach San Francisco, wo du herkommst, denn dieses Kind sollte nicht auf der Straße sein.“ Und Luther gab ihr das Geld. Das ist Ariel Bender.

Wir sind im Hotel in LA und sie sitzen die ganze Nacht draußen am Straßenrand. Heutzutage würde das den Mädchen Angst machen, aber damals war es so. Aber was willst du hier erreichen, komm schon?

Ich versuche nur, ein Gefühl dafür zu bekommen. Ich nehme an, Sie haben einige der besten Jahre der Rockmusik erlebt, die heute in gewisser Weise als problematisch angesehen werden. Die Leute blicken beispielsweise auf Steven Tyler zurück und fragen sich: „Warum hatte er eine Teenager-Freundin? War das angemessen?“

Ich weiß nicht. Ich bin nicht wirklich qualifiziert, darüber zu sprechen, was Steve getan hat. Ich weiß, dass viele Leute eine Vergangenheit hatten, du weißt, was ich meine. Aber so ist das Leben. Mit allen, nicht nur mit Leuten aus dem Rock'n'Roll.

Du bist bei Sun Records, dem gleichen Label wie Elvis und Jerry Lee. Wie ist das passiert?

Als ich für Mott vorsprach, fand mein Vorsprechen im Regents Sound in der Denmark Street statt. Jimi Hendrix, Little Richard – alle diese Leute – sie alle haben irgendwann einmal dort geprobt oder gespielt. Das war der Anfang. Und das amerikanische Äquivalent dazu muss Sun Records in Memphis sein. Howlin' Wolf, Johnny Cash, Jerry Lee – ich mache das für Ihre Leser – all diese Leute haben dort angefangen. Warst du schon dort?

Sun Studios? Ich habe. Ich liebte es.

Ich bekomme die seltsamste Stimmung, wenn ich da drin bin. Es ist wie ein Raum voller Geister. Mike sagte zu mir: „Sun Records wird sich neu formieren. Wie würde sich das anfühlen?“ Und ich dachte: „Ich muss dabei sein! Das gelbe Etikett!“ Ich bin wie ein verdammter Vierjähriger. Es hat also geklappt. Wenn das meine letzten beiden Platten sind, ist es fast so: Regents Sound. Sun Records. Dort hat alles angefangen und hier endet alles. In gewisser Weise ist es irgendwie poetisch.

Wir werden sehen, wie es weitergeht. Ich muss Teil 2 fertigstellen, wissen Sie. Aber dann schreibe ich schon für Teil 3. Nicht, weil ich es möchte, sondern nur, weil man, weißt du, morgens aufwacht und sagt: „Das ist nicht schlecht.“ Mal sehen was passiert. Vielleicht funktionieren diese Platten gut, vielleicht werden sie steif, wer weiß?

Wie urteilen Sie? Wie können Sie entscheiden, ob etwas noch ein Erfolg ist?

Nein, es ist überhaupt nicht mehr so, wie es war, und es interessiert mich auch nicht besonders, wie es ist. Also schreibe ich einfach, was ich schreibe.

Ich denke, die Leute werden diese Platte lieben.

Ich hoffe, dass sie es tun, wissen Sie. Aber ich glaube nicht, dass ich viele neue Leute gewinnen werde, weil die Leute sich für neue Musik interessieren. So sind sie aufgewachsen. So wächst jeder auf. Es ist das, woran sie gewöhnt sind.

Man muss davon ausgehen, dass Leute, die sich für Taylor Hawkins interessieren oder Slash oder Jeff Beck mögen, sich diese Platte anhören und an der Verbindung interessiert sind.

Für mich ist es, um es so auszudrücken, eine ganz, ganz besondere Platte. Für alle Menschen ist es an sich schon großartig, so nett zu sein, es zu tun, und es so gut zu machen, wie sie es getan haben. Es ist ein schönes Gefühl. Wenn es also nicht weitergeht, bin ich ein sehr glücklicher Mann. Weil es ein besonderer Rekord ist.

Aber du hast es dir verdient. Vergessen Sie die klassischen Alben: Sie haben in den letzten 10–15 Jahren großartige Platten gemacht.

Es hat mir Spaß gemacht, sie herzustellen. Die Rant Band war großartig. Wir sind jetzt seit 20 Jahren zusammen. Es war an der Zeit, etwas anderes zu machen, aber mir war nie klar, dass daraus etwas werden würde. Es war fabelhaft. Es braucht viel, um einen alten Kerl wie mich zu begeistern. Ich bin wieder wie ein Teenager, weißt du, mit der Musik. All diese Leute haben mich wieder begeistert.

Erzähl mir etwas über das Lied Guernica.

Ich war in Madrid. Die Galerie war die Straße runter [Museo Reina Sofía] und ich stand etwa 45 Minuten lang da und betrachtete dieses Ding [Guernica, ein Antikriegswandgemälde von Pablo Picasso, das durch die faschistische Bombardierung der gleichnamigen Stadt im Jahr 1937 angeregt wurde]. Es ist nur Symbolik, schätze ich. Es blieb mir einfach im Gedächtnis. Das Seltsame war, dass ich eine Zeit lang ein Haus an der Südküste hatte – ein Haus namens The Beach House in Worthing. Es handelte sich um Wohnungen direkt am Meer, und es stellte sich heraus, dass die Überlebenden von Guernica, die Kinder, alle im Strandhaus untergebracht waren. Ich habe das kürzlich gelesen, nachdem ich das Lied geschrieben hatte, aber es gibt einen Zusammenhang: Ich lebte im selben Haus wie die Überlebenden aus Guernica.

Sie haben mit Guy Stevens, Bernard Edwards und Roy Thomas Baker zusammengearbeitet: Welcher Produzent hatte den größten Einfluss, wenn es darum ging, Ideen und Visionen in die Musik einzubringen?

Kerl. Das geht zurück. Der Typ stand einfach vor dir und schrie dich an. „Du bist großartig! Du bist besser als die Stones!“ Und ich denke, es hatte wahrscheinlich eine Wirkung, weil wir alle neu darin waren. Ich hatte nie wirklich Produzenten. Die größte Hilfe waren drei Ingenieure, und das ist Bill Price in England – er landete bei Wessex, war aber bei AIR, als wir Mott und The Hoople machten – und dann Bob Clearmountain in New York und der Typ, mit dem wir jetzt zusammenarbeiten, James Fraser. Er ist absolut brillant.

Bill Price – der Alben von Mott, Wings, Roxy Music, Badfinger, The Clash, The Pretenders und sogar Guns N' Roses produziert oder entwickelt hat – ist ein unbesungener Held des britischen Rocks, nicht wahr?

Oh, die Leute wissen es einfach nicht. Ich meine, er hat die Pistols gemacht. Er wurde mit den Pistolen zusammengeschlagen. Es gibt eine Kneipe um die Ecke, und eines Abends gingen sie dort hinein und es kam zu einer Schlägerei, und Bill war einer der Typen, die auf der anderen Seite der Sache standen. Bill war fabelhaft. Ich meine, Bill war wie James – er war dir voraus. Sie redeten darüber, und als Sie das Gespräch beendet hatten, lag es vor Ihnen.

Er würde Mick Jones [Produzent von Short Back 'n' Sides, 1981] acht Tracks besorgen, nur um damit herumzuspielen. Alle unterschiedlichen Echos und Halls, weil Mick sich für alle möglichen Klänge interessierte. Er gab ihm einfach nebenbei seine eigene kleine Art Mixing-Session. Aber er kam jeden Tag mit 100 Zigaretten herein. Hundert Dunhill. Und rauch sie alle.

Während also Guy Stevens dir ins Gesicht schrie und schrie und Möbel zertrümmerte, war Bill derjenige, der sich tatsächlich um die technischen Dinge kümmerte.

Roxy Music war in AIR One und wir waren in AIR Two. Eines Nachts kamen Eno und Bryan Ferry vorbei. Wir machten das Mott-Album und versuchten, Mike Leander zu erreichen [den Produzenten und Arrangeur, der die Streicherparts für „She's Leaving Home“ der Beatles arrangiert hatte, aber damals besser bekannt war als der Mann, der für diesen großen Gary verantwortlich war Glitter Sound] oder Roy von Wizzard und wir hatten nicht viel Glück. Und beide sagten: „Nun, warum? Du brauchst keinen Produzenten. Es klingt großartig.“ Und das lag wirklich an Bill. Wissen Sie, wir haben einfach weitergemacht. Und es hat funktioniert. Bis Ralpher ging.

Ich habe etwas gelesen, in dem Sie sagten, einige Songs, die Sie schreiben, seien „vorgefertigt“ – und dann sind da noch die guten Sachen. Ich habe das so verstanden, dass man manchmal das Gefühl hat, Klischees oder eine Formel zu schreiben. Aber wenn es gut ist, weiß man, dass man etwas Besonderes gefunden hat. Woher erkennt man den Unterschied?

Ich bin quasi 24 Stunden am Tag erreichbar. Sie können fernsehen und jemand sagt etwas und es hat irgendwie etwas mit dem Text zu tun, an dem Sie gerade arbeiten. Ich denke: „Ja, das kann ich umdrehen.“ Ich muss auch stimmlich denken, weil ich nur dann gut klinge, wenn ich auf eine bestimmte Art und Weise singe. Ich bin kein so toller Sänger. Wenn man kein besonders guter Sänger ist, muss man viel formulieren, um es rüberzubringen. Es ist der Dylan-Ansatz, ein Charakteransatz. Zum Beispiel: „Ja, das könnte ich in den Griff bekommen.“ Und wenn da ein bisschen Humor dabei ist, wissen Sie, oder eine Doppeldeutigkeit, dann mache ich das gerne. Vieles davon ist im Grunde genommen Grammatik. Englische Grammatik.

Du meinst Freude an Worten und das Spielen mit der Sprache?

Ja. Manchmal bringt man den Punkt rüber, aber man predigt. Oder es ist zu ernst. Du versuchst, etwas zu ergattern. Es passiert in Bed Of Roses. Das passiert in „Angel“ ein paar Mal, wissen Sie: „Ich möchte, dass meine Engel perfekt sind/Außer an Samstagen“ [kichert] Der Track kommt zurück [von Taylor Hawkins] mit all diesen todernsten Harmonien und all dem Rest es und ich denke: „Ich hoffe, niemand merkt es.“ Aber es macht es leichter, weißt du?

Gibt es einen Ihrer Songs, von dem Sie dachten, er hätte besser abgeschnitten als er? Ich denke zum Beispiel, dass „You Nearly Did Me In“ oder „Irene Wilde“ von „All American Alien Boy“ die Art von Liedern sind, die jeden Tag der Woche im Radio gespielt werden könnten.

Zu dieser Zeit gab es bei Columbia Records AM- und FM-Acts. AM war der Singles-Markt und FM der Album-Markt und sie waren der Meinung, dass Mott eine FM-Band sei, also würden sie keine Singles promoten, weil das uns in den AM-Markt bringen würde. Ich sagte immer wieder: „Aber die Rolling Stones scheinen in beiden Bereichen ganz gut zu sein.“ Aber sie würden es nicht haben. Dasselbe sagten sie auch zu Ten Years After. Es gibt verschiedene Gründe, warum etwas nicht passiert. Präsidenten werden entlassen. Das ist mir bei Polygram passiert. Es kommt ein Album heraus und plötzlich wird der Präsident gefeuert und mit ihm alle seine Freunde.

Also, die neuen Leute sind reingekommen, wissen Sie, und nichts, was der letzte gemacht hat, war gut. Und ich war auch auf kleinen Labels. Da bekommt man einen Song wie „When The World Was Round“ [Shrunken Heads, 2007]. Es gab auch ein tolles Video. Wenn ein größeres Label dahinter gestanden hätte, wäre das meiner Meinung nach vielleicht ein Hit geworden. Und ja, es ist mühsam, weil man viel Mühe in diese Sache steckt und dafür nur einen sehr geringen Gewinn erzielt. Das ist das Lied, das mir in den Sinn kommt. Ich finde die Worte großartig, aber was kann man tun? Es ist was es ist. Ich war mit der Rant Band unterwegs, ich hatte eine tolle Zeit und mit den kleinen Labels macht man nicht viel, was Platten betrifft, aber man macht viel Merch, während man unterwegs ist. Es klappt also gut.

Und es ist schön für Ihr Publikum. Es mag vielleicht nur ein kleiner Trost sein, aber die Tatsache, dass Sie nie ein Superstar waren, hat dazu geführt, dass Ihr Publikum Sie in kleineren Veranstaltungsorten statt in riesigen, seelenlosen Arenen sehen kann.

Ja, das hat mir schon immer gefallen. Die Leute denken, dass ich das Publikum anlüge, wenn ich das sage. Aber alles zwischen 500 und 2500 vielleicht, es sind tolle Orte zum Spielen, weil man die Leute sehen kann und sie einen sehen können. Ich mag den Arena-Scheiß nicht.

Ich habe kürzlich gelesen, dass Sie einmal gebeten wurden, die Leitung von The Doors zu übernehmen. Was ist die Geschichte dort?

Da war ein Typ, ich habe seinen Namen vergessen, aber er arbeitete für eine Agentur – ICM oder so ähnlich, eine der New Yorker Agenturen – und ich ging eines Tages hin und er sagte: „The Doors suchen einen Sänger und sie.“ Ich habe dich erwähnt, möchtest du es tun?“ Ich sagte nein!" [Lacht] Weil Jim Morrison wie Gott aussah und ich wie ein durchschnittlicher Kerl.

Es gibt einen Auftritt südlich von LA, ungefähr 60 Meilen die Straße hinunter. Ich kann mich jetzt nicht mehr an den Namen erinnern, aber ich habe erst kürzlich herausgefunden, dass The Doors zu einer meiner Shows dort waren. Zwei von ihnen kamen. Vielleicht stimmte es also. Das war etwa 1975/76, irgendwo in der Gegend. Dieser Agenturtyp hatte immer eine Waffe auf seinem Schreibtisch. Das war seltsam, weißt du?

Können Sie etwas über Defiance, Teil 2 verraten?

Ich denke, es ist etwas schwerer, etwas ernster. Wissen Sie, beim ersten Teil befanden wir uns mitten in Covid und Trump und all dem, also wollte ich, dass es auf der positiven Seite war. Der nächste ist etwas schwerer. Als die Dinge mir zu schaffen machten [lacht]. Nicht so schwer, nur stellenweise etwas politischer. Es soll Unterhaltung sein und nicht Leuten, die schon die Nase voll haben, Scheiße in den Nacken schieben.

Aber es gibt im Moment doch einiges, worüber man sich ärgern kann, oder?

Das ist einer der Gründe, warum dieses Album nicht wütend ist. Das wollte ich nicht. Aber beim zweiten konnte ich nicht anders.

Defiance Teil 1 ist jetzt bei Sun Records erhältlich.

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Scott ist Content Director of Music bei Future plc und verantwortlich für die redaktionelle Strategie von Online- und Printmarken wie Louder, Classic Rock, Metal Hammer, Prog, Guitarist, Guitar World, Guitar Player, Total Guitar usw. Er war Chefredakteur von Seit 10 Jahren ist er das Classic-Rock-Magazin und seit vier Jahren Herausgeber von Total Guitar. Er hat unter anderem für The Big Issue und Esquire mitgewirkt. Scott schrieb Kapitel für zwei der Bücher des legendären Cover-Designers Storm Thorgerson (For The Love Of Vinyl, 2009, und Gathering Storm, 2015). Er tritt regelmäßig im Podcast „The 20 Million Club“ von Classic Rock auf und war Autor/Rechercheur der Mick-Ronson-Dokumentation „Beside Bowie“ aus dem Jahr 2017.

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